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lunes, 30 de abril de 2012
sábado, 28 de abril de 2012
jueves, 26 de abril de 2012
Propuesta de escena
La elección de
esta escena se basa en que es un punto fuerte en la historia
Oscar, el
atildado empresario alemán, individualista, mujeriego y de pocos escrúpulos, luego de descubrir que “Solución Final”
estaba en marcha y era algo en lo que no quería participar, debe resolver que
hacer, si volver a su vida disoluta, gastando la fortuna que había amasado
gracias a la explotación del trabajo judío, o
tratar de salvar a los trabajadores que había explotado.
En esta escena es
donde muta la relación entre Oscar e Isaac, de explotador-explotado, pasan a
una relación de dos hombres asolados por una tragedia a escala gigantesca.
El dilema de
estos dos hombres se ve presente en toda esta escena y nos va metiendo en el clímax
de la película.
El Tratamiento de la puesta en escena
La acción tiene que desarrollarse en un decorado que nos dé
idea de oficina de fábrica de mitades del siglo XX. Debe ser austera tanto en
muebles como en detalles arquitectónicos.
Los muebles deben ser básicos en su construcción, pero de madera o chapa y modelos antiguos. La
utilería liviana debe ser acorde a esa época.
La iluminación, será usada en un sentido expresivo, las luces duras, sumados a planos
cortos, nos darán cuenta de las
emociones de los personajes, la clave baja que predomina en la mayoría de los
planos tiene relación con el momento que están pasando los personajes, y en el
último plano, el plano conjunto, aparece
una luz directa, que si bien además de hablarnos de elementos
naturales como la época del año o del día, nos preanuncia el cambio que se
produce en el relato y en el personaje central.
Los actores que
caractericen a los personajes, deben tener el tipo de cada uno de ellos, por un lado Oscar, debe ser
atildado, vital, bien parecido, e Isaac, debe esta delgado y ojeroso.
El vestuario
jugara como contrapunto, por un lado el traje, reafirma el personaje de
empresario, atildado y elegante, por otro el guardapolvo, con una estrella de
David cosida al pecho, nos caracteriza rápidamente, al obrero judío
esclavizado.
El sonido basado
en el dialogo entre los personajes, y enriquecido con Foley y música empática.
La puesta en
cuadro estará compuesta por una serie de planos y contra planos, con planos cortos de los dos personajes, para
remarcar la confidencia e intimidad que se produce en esta escena entre los dos
personajes.
domingo, 22 de abril de 2012
Guion Técnico de la escena elegida - La lista de Schindler
Escena 1.Int. / Oficina de la fábrica. /
- PLANO 1 (Plano Medio
Corto de Isaac)
Isaac escribe unos
papeles.
Oscar (VOZ EN OFF)
He hablado con Goett…
Isaac
Se a donde nos mandan, esta es la orden de
evacuación.
Tengo que ayudar a organizar los envíos y subir
al último tren.
- PLANO 2 (Primer Plano
de Oscar)
Oscar con los codos
apoyados en la mesa y las manos en gesto de suplica, mira a Isaac.
Oscar
Eso no es lo que iba a decirle.
Hice que Goett me prometiera que iba a recomendarle.
No le ocurrirá nada malo, recibirá un trato especial.
Isaac (VOZ EN OFF)
Las ordenes que llegan de Berlín hablan de un
trato especial cada…
- PLANO 3(plano Medio Corto
de Isaac)
Isaac
primero mirando los papeles y luego a Oscar.
Isaac
…vez con más frecuencia, prefiero pensar que
no se refiere a eso.
Oscar (VOZ EN OFF)
Digamos… ¿trato preferencial?...
- PLANO 4 (Primer Plano Largo
de Oscar)
Oscar con los codos
apoyados en la mesa y las manos en gesto de suplica, luego mira a Isaac.
Oscar
… ¿O tenemos que inventar un nuevo lenguaje?
- PLANO 5 (Primer Plano
de Isaac)
Isaac mira a Oscar.
Isaac
Creo que si
Supongo que usted se queda.
Oscar con los codos
apoyados en la mesa. Bebe un vaso de licor y luego vuelve a las manos en gesto
de suplica, mira al vacío y luego mira a Isaac.
Oscar
En Cracovia… ¿Por qué iba a quedarme?
Isaac (VOZ EN OFF)
¿Por qué? Tiene una empresa que dirigir.
- PLANO 7(Plano Medio Corto
de Isaac)
Isaac mira a Oscar,
le responde y sonríe.
Isaac
Tendrá que contratar nuevos obreros, polacos
supongo, cuestan un poco mas pero... ¿Que remedio le queda?
- PLANO 8 (Primer Plano Largo
de Oscar)
Oscar con los codos
apoyados en la mesa. Bebe un vaso de licor y luego vuelve a las manos en gesto
de suplica, mira al vacío y luego mira a Isaac.
Oscar
Usted dirigía mi empresa
- PLANO 9 (Plano Medio Corto
de Isaac)
Isaac mira a Oscar,
escuchándolo.
Isaac
Mm.
Oscar (VOZ EN OFF)
No, me voy a casa…
- PLANO 10 (Primer Plano Corto de Oscar)
Oscar toma un
cigarrillo y lo enciende mientras habla y luego mira a Isaac.
Oscar
…Aquí ya he hecho todo lo que podía.
Tengo mas dinero del que podré gastar en toda
mi vida
- PLANO 11 (Primer Plano de Isaac)
Isaac mira a Oscar,
escuchándolo.
- PLANO 12
(Primer Plano de Oscar)
Oscar
Algún día…todo esto va a acabar. Quizás
entonces podamos…
- PLANO 13 (Primerisimo
Primer plano de Isaac)
Oscar (VOZ EN OFF)
…tomarnos una copa juntos.
Isaac
Prefiero
tomármela ahora
La mano de Oscar entra por izquierda a cuadro
con un vaso en la mano e Isaac lo toma con su mano izquierda.
- PLANO
14 ( Plano americano
conjunto)
Isaac
y Oscar beben sus bebidas.
martes, 17 de abril de 2012
El nuevo cine alemán
1. Introducción
Tenía que suceder... porque un cine nacional tan bueno como el alemán occidental debía ser descubierto. R. W. Fassbinder (1976)
No teníamos nada y empezamos en la nada. Todos éramos huérfanos. No teníamos padres de los cuales pudiéramos aprender. Werner Herzog (1988)
Es el tesón de este cine nacional, su rebeldía e intransigencia, su empeño en romper la base de la historia oficial, lo que ha hecho de él objeto de serios trabajos científicos en el extranjero. Eric Rentschler (1988)
A mediados de los años treinta, el cine alemán entró en un período de seria decadencia en lo que se refiere al nivel de calidad de sus producciones: algunos de los directores más importantes de esa cinematografía -como Fritz Lang o Detlef Sierck- se exiliaron debido al auge del nazismo; otros -como G. W. Pabst- decidieron quedarse sin ceder a la propaganda del régimen dictatorial pero bajando el listón de su maestría; y finalmente hubo un nutrido grupo de realizadores que -encabezados por Hans Steinhoff- comulgaron con el empeño goebbeliano de llevar a cabo un cine exaltador de las "tendencias raciales puras". Fue entonces cuando vieron la luz las películas musicales y operetas de la UFA (Noche de estreno de Geza von Bolvary); las obras dedicadas a la fe inquebrantable de los "grandes hombres" (Roberto Koch, el vencedor de la muerte del mencionado Steinhoff, 1939); las historias edificantes de heroicos soldados (Forja de héroes de Karl Ritter, 1938); las narraciones de temática antisemita recomendadas oficialmente por "su valor político y artístico" (El judío Süss de Veit Harlan, 1940); o las películas históricas ejemplares que exaltaban la gloria de lo germánico (Der grosse könig, del citado Harlan, 1942).
La caída del régimen nazi y la consecuente formación de la República Federal Alemana en 1949 no supondrá un alivio para la lenta agonía artística en que se había instalado el cine teutón, aunque industrialmente sí que se dio un gran paso con la organización por parte de Erich Pommer del International Film AG y los estudios Bavaria en Munich o la construcción de importantes sedes en Hamburgo y Tempelhof. Pocas obras escaparon a la insignificancia: es el caso deEl último puente (1954) de Helmut Käutner; Die Verlorene (1951) de Peter Lorre; Nachts, wenn der Teufel kam (1957) de Robert Siodmak, o El puente(1959) de Bernhard Wiccki. Paralelamente, a mediados de los años cincuenta surgió "un pequeño y exitoso monstruo aséptico" que bajo el nombre de "Heimatfilm" agrupaba a una serie de películas de amor con artistas angelicales de rizos rubios vacías de contenido, esterilizadas y lineales: la trilogía sobre Sisí Emperatriz sería el máximo exponente de esta nefasta corriente.
El 28 de febrero de 1962 un grupo de veintiséis realizadores, hastiados por el callejón sin salida en que se encontraba la cinematografía alemana, publicó un manifiesto en la ciudad obrera de Oberhausen aprovechando la celebración de un festival de cortometrajes celebrado allí anualmente. El Manifiesto de Oberhausen supuso el nacimiento del Nuevo Cine Alemán:
"La desaparición del viejo cine convencional alemán supone la aparición de un nuevo cine que tiene la posibilidad de vivir. Los films cortos de los jóvenes autores, directores y productores han obtenido gran cantidad de premios en festivales internacionales y han hallado el reconocimiento de la crítica internacional. Estos trabajos y sus consecuentes éxitos muestran que el futuro del cine alemán está en las manos que han demostrado hablar un nuevo lenguaje cinematográfico.
Como en otros países, también en Alemania el cortometraje ha sido escuela y campo de experimentación para el largometraje. Declaramos nuestra exigencia de crear los nuevos largometrajes alemanes. Este nuevo cine necesita libertades nuevas. Libertad ante las convenciones usuales de la profesión. Libertad ante las influencias comerciales. Libertad ante los grupos de presión.
Para la producción del nuevo cine alemán tenemos ideas creativas, formales y económicas concretas. Juntos estamos preparados para resistir los riesgos económicos. El viejo cine ha muerto. Creemos en el nuevo".
Sus firmantes fueron: Bodo Blüthner, Boris v. Borresholm, Christian Doermer, Bernhard Dörries, Heinz Furchner, Rob Houwer, Ferdinand Khittl, Alexander Kluge, Pitt Koch, Walter Krüttner, Dieter Lemmel, Hans Loeper, Ronald Martini, Hansjürgen Pohland, Raimond Ruehl, Edgar Reitz, Peter Schamoni, Detten Schleiermacher, Fritz Schwenicke, Haro Senft, Fran-Josef Spieker, Hans Rolf Strobel, Heinz Tichawsky, Wolfgang Urchs, Herbert Vesely y Wolf Wirth.
Además de acabar con el "Heimatfilm", uno de los principales móviles de esta unión fue la necesidad de buscar subvenciones financieras para este nuevo cine. Sin embargo, la decadencia económica y artística de la industria cinematográfica no facilitó de forma momentánea la ansiada renovación y hubo que esperar hasta el año 1965, cuando se creó el Kuratorium Junger Deutscher Film (Comité del Joven Cine Alemán) y una ley que llevó pareja, "Film Förderung Gesetz", encargada de proporcionar ayudas económicas a ese Nuevo Cine Alemán reconocido a partir del Manifiesto de Oberhausen. Además, las cadenas de televisión ARD (y su partición en WDR) y ZDF ofrecieron constantes e incluso altruistas ayudas a numerosas producciones. Sin embargo, tales subvenciones (sobre todo las gubernamentales) acabaron sirviendo para ejercer cierta censura ideológica que de ninguna forma fue aceptada por muchos de los realizadores. Así, una gran parte de las producciones del Nuevo Cine Alemán fueron posibles gracias al riesgo asumido en exclusiva por su directores, los cuales (junto a esporádicos mecenas y empresas productoras-distribuidoras independientes) acabaron financiando sus proyectos. Ejemplo de ello es Rainer Werner Fassbinder, que para su película número treinta y siete, La tercera generación, y tras su fama reconocida no encontró financiación: tanto el dinero oficial como el de la cadena de televisión WDR le fue denegado en el último momento "por motivos políticos" según el maestro, "ya que el redactor encargado de la WDR me dijo que en el film se sostiene una opinión que él no comparte y que la cadena televisiva no se atreve a representar". Además, recibió una carta del jefe de la policía de Berlin que le negaba el permiso para rodar una escena en un banco berlinés, noticia que recibió el director cuando ya estaban rodando, cosa que siguió haciendo pese a endeudar en 300000 marcos más sus bolsillos ya vacíos por otros proyectos.
En la historia del Nuevo Cine Alemán esto es un ejemplo entre miles. No obstante, este hecho es remarcable por la constatación de veracidad y compromiso que destilaron las películas de los jóvenes realizadores, haciendo de ellas verdaderas representaciones del cine de autor del más alto nivel con las que el espectador no puede sentirse en modo alguno traicionado. Así lo testimonia el éxito de este cine fuera de las fronteras de la RFA en este fragmento escrito por Eric Rentschler en 1988: "Cuando se analiza la discusión actual sobre el Nuevo Cine Alemán en EEUU se evidencia que justamente las películas amenazadas por la política del ministro Zimmerman son las que interesan más a los americanos. Los autores más difíciles y rebeldes como Fassbinder o Herzog son los que han suscitado esta atención; sin extremos escabrosos no hubiera existido el Nuevo Cine Alemán". Pero... ¿por qué hemos aludido a esa repercusión de este cine "fuera de las fronteras alemanas" sin detenernos en su "impacto local"?... La respuesta es simple y a la vez aterradora: los autores surgidos a raíz de esta corriente fueron ignorados en su propio país y a menudo expuestos a la incomprensión de sus compatriotas: tuvo que ser una filmoteca como la francesa, eterna e ilustre defensora del cine-Arte, la que contribuyó al máximo en la propagación y reconocimiento del Nuevo Cine Alemán en el mundo.
Al Manifiesto de Oberhausen le precedió una atmósfera de entusiasmo y le siguieron otros encuentros como el del Festival de Knokke (uno de los más importantes para la consolidación del movimiento) así como otras declaraciones de apoyo como la "Declaración de Mannheim" (octubre de 1967), la "Declaración de Hamburgo" (septiembre de 1979) o el "Manifiesto de las Trabajadoras de cine" (diciembre de 1979). Toda esta serie de reafirmaciones no sirvió, sin embargo, para forjar una verdadera "unidad" entre los distintos autores: si hay algo que les ha caracterizado ha sido precisamente la "insolidaridad" temática y estilística de cada uno de ellos, las pocas afinidades y grandes diferencias existentes entre unos y otros, lo cual no es nada negativo ya que ello dio lugar a una gran multiplicidad de temas y estilos. La otra gran característica de aquella nueva generación de autores radica en que, a pesar de su empeño en hacer tabla rasa con ciertas anomalías presentes en la cinematografía que deseaban revolucionar, fueron muchas las influencias del "primer cine alemán" presentes en sus obras, dando lugar a un entrañable cóctel de clasicismo y trasgresión: ahí están las citas de Wenders al gran maestro Fritz Lang; las filtraciones estéticas de Murnau en varias películas de Herzog; o las impactantes influencias que tuvo el viejo cine expresionista y el "Kammerspiel" teutón en Rainer Werner Fassbinder.
El título de una película de Werner Herzog se ha utilizado con frecuencia para definir al grupo de directores que forman parte del Nuevo Cine Alemán: Cada cual por sí solo y Dios contra todos (El Enigma de Kaspar Hauser). Esta situación arquetípica de esta corriente fue el origen de una época dorada e irrepetible dentro del cine de autor europeo.
Los principales representantes de esta corriente van a ser:
- Volker Schlöndorff, intelectual a caballo entre la cultura germánica y la francesa, ha sido ayudante de Resnais y de Louis Malle. Su cine va a tratar de ahondar en los conflictos que se producen por el enfrentamiento de sus personajes, y se va a caracterizar por adaptar numerosas novelas de la rica tradición germana. Entre sus obras destacan El joven Torless y El Rebelde. En los años 1970 adaptara para la pantalla El tambor de hojalata de Günter Grass. Su cine posee siempre una puesta en escena muy controlada, un relato riguroso y un análisis histórico acompañado de reflexión humana ante los conflictos expuestos.
- Rainer Werner Fassbinder, se caracteriza por su influencia teatral, la preocupación por la forma, un sello personal de autor, conseguido gracias a que trabaja siempre con el mismo equipo técnico y artístico, y un enfoque centrado en los conflictos humanos y en las relaciones de dominación. Entre sus obras más sobresalientes están, entre otras, La ley del más fuerte, Todos nos llamamos Alí,Las amargas lágrimas de Petra von Kant, Querelle o El matrimonio de Maria Braun.
- Werner Herzog, su cine se va a caracterizar por el estudio de personajes singulares, marginados o excepcionales, que se hallan poseídos por sus instintos como en Aguirre, la cólera de Dios, Nosferatu, el vampiro de la noche o Fitzcarraldo. En sus películas es una constante la locura y la imaginación visionaria de sus personajes, y la preponderancia del paisaje como centro mítico de sus historias.
- Wim Wenders, influenciado por el cine americano, tratará la incomunicación humana, los conflictos personales, los familiares y los viajes iniciáticos para conocerse a uno mismo. Su película más conocida de esta época es Alicia en las ciudades. En la década de los 80 realizará dos de sus películas más conocidas, como son Cielo sobre Berlín y Paris, Texas.
(fuente http://www.rafamorata.com)
lunes, 16 de abril de 2012
Sinopsis de La lista de Schindler
| Sinopsis A los principios de la Segunda Guerra Mundial, despues de la invasión Alemana a Polonia un empresario, Oskar Schindler, ideó un esquema para hacerse rico a costa de la población judía, a la cual se le prohibió la propiedad de cualquier medio de producción o riqueza. Mediante el esquema, los judíos le entregarían todos sus bienes como "inversión" a cambio de poder trabajar en su fábrica. Con el transcurrir del tiempo y despues de presenciar la barbarie Nazi, Schindler emplea su fábrica como un escudo humanitario para evitar que mas de 1000 miembros de la comunidad de Polonia fueran enviados a los campos de exterminio y permitiendoles sobrevivir al Holocausto. |
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Lamentablemente y a veces, este afán estilístico conlleva una rémora en el contenido plasmado en pantalla, pudiendo provocar la dictadura del estilo, otro error en la forma de proyectar un título cinematográfico. Otro gran teórico del cine, André Bazin, editó junto a Jacques Doniol-Valcroze en 1947 una nueva publicación sobre el séptimo arte, llamada "Le Revue du Cinema", que con el paso de los años se rebautizaría como "Cahiérs du Cinema", revista en la cual comenzarían a colaborar gente como el citado Truffaut, Claude Chabrol, Jean Luc Godard, Jacques Rivette o Eric Rohmer, personajes con un afán crítico demoledor pero constructivo. Demoledor contra el cine academicista instituido en Truffaut en su artículo atacaba a las producciones que sólo se ocupaban de la "qualité" y las buenas adaptaciones literarias y se olvidaban de aportar su punto de vista personal a la obra.
Estas condiciones y características fílmicas establecieron asimismo una revisión crítica a muchos antiguos cineastas, en muchos ocasiones injusta y que ellos mismos, con el paso del tiempo se retractarían de sus previos e influyentes comentarios.
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Biografía de Steven Spielberg
Steven Allan Spielberg (Cincinnati, Ohio, 18 de diciembre de 1946) es un director, guionista y productor de cine estadounidense. Es uno de los directores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial.
Ha sido nominado seis veces a los Premios Óscar en la
categoría de mejor director, obteniendo el premio en dos ocasiones, con La
lista de Schindler (1993) y Saving Private Ryan (1998) y tres de sus películas
(Jaws de 1975, E.T.: the Extra-Terrestrial de 1982 y Jurassic Park de 1993)
lograron récord de taquillas, convirtiéndose en las películas de mayor
recaudación en su momento. Ha sido también condecorado con la Orden del Imperio Británico
y la National
Humanities Medal. Gran aficionado al cómic, posee una gran
colección, que incluye el número 1 de la revista Mad.
Tras ser contratado por la división televisiva de la productora Universal, (que
según la leyenda, ocurrió tras ser sorprendido una noche mientras rondaba por
los decorados de los estudios14 ), empezó a dirigir episodios de series como
Marcus Welby, M.D. (1969-1976) y Columbo (1971-2003), pero el inesperado éxito
de la versión para el cine de su telefilme Duel (El diablo sobre ruedas, 1972)
le abrió las puertas de la gran pantalla.
Eso lo llevó a estrenar en 1974 su primer largometraje para la pantalla grande,
The Sugarland Express (Loca evasión). Si bien no fue dado a conocer en mayor
grado internacional hasta la posterior exitosa carrera del director, la
película tuvo su éxito de crítica (tiene un 92% en Rotten Tomatoes) y de
taquilla. La Universal
depositó en él la confianza suficiente como para rodar Jaws (Tiburón, 1975),
película de gran presupuesto y rodaje extremadamente accidentado que se
convirtió en uno de los títulos más taquilleros de la historia e instauró el
modelo moderno de superproducción, con elevados costes de márketing y efectos
especiales. Más tarde, en 1977, George Lucas contribuyó a consolidar las bases
del nuevo "cine comercial" con su famosa space opera Star Wars (La
guerra de las galaxias). Desde entonces, Spielberg y Lucas mantienen una gran
amistad.
Spielberg rechazó dirigir Jaws 2, King Kong y Superman, para desarrollar
aquella historia que había escrito en su adolescencia, y que tantas vueltas
había dado en su mente esos años. Así, en 1977 estrenó Close Encounters of the
Third Kind, que fue un gran éxito y lo consolidó como el nuevo «rey Midas» del
cine de Hollywood.15 Más adelante llegaría la poco conocida 1941 (1979), un
intento de incursionar en la comedia que fue un fracaso. Según palabras de
Lucas, "el problema no estuvo en la dirección, que fue excelente, sino en
la historia".16
Como amantes de las viejas películas de aventura de los años '20 y '30 de
Hollywood, Lucas le propuso a Spielberg escribir una historia con un aventurero
arqueólogo como protagonista. El director aceptó el reto, y entre todos los
actores eligió a Harrison Ford, quien le había encantado en su rol de Han Solo
en The Empire Strikes Back. Por esa misma razón Lucas se negó, en un principio,
pero finalmente el actor consiguió el papel, que lo impulsó hasta la cúspide de
su carrera al interpretar al Dr. Indiana Jones. Raiders of the Lost Ark (1981)
estuvo cargada de problemas, pero se convirtió en uno de los mayores éxitos de
la década, revitalizando el olvidado género de aventuras.
Mientras rodaba esa película, Spielberg decidió retomar el tema que más le
fascinaba, el espacio y sus habitantes. Y es por eso que tras terminar con la
aventura del Dr. Jones, se abocó inmediatamente a su, para muchos, obra
maestra. En 1982, E.T. the Extra-Terrestrial se convirtió en la película más
taquillera de todos los tiempos, superando a Star Wars (1977), y cuyo reinado
mantuvo hasta que en 1997 la desplazó Titanic. Mostrando a uno de los
extraterrestres más querido por el público de todo el mundo, Spielberg se alzó
definitivamente como uno de los más grandes cineastas de su época, e incluso de
la historia del cine.17 El director de Gandhi (1982), Richard Attenborough,
declaró: «Yo estaba seguro de que no únicamente E.T. podría ganar, sino de que
ganaría. Fue inventiva, poderosa, y maravillosa. Yo hago películas más
mundanas».18
Tras esta película llegaría la secuela de Indiana Jones, Indiana Jones and the
Temple of Doom (1984), que sería un poco más agridulce que la primera parte. A
partir de ese momento alternó su faceta de productor con la de director, con
mayor éxito en la primera (Gremlins de 1984 y Back to the Future de 1985) que
en la segunda. Si bien sus siguientes películas no fueron fracasos, The Color
Purple (1985), Empire of the Sun (1987) y Always (1989) se alejaron bastante de
lo que fueron sus proyectos anteriores.
Tras tres películas que dejaron mucho que desear para la crítica y la taquilla
(aunque no fueron consideradas "malas" ), Spielberg volvería para fin
de año con la tercera parte del aventurero que hizo famoso a Harrison Ford.
Indiana Jones and the Last Crusade (1989) fue un éxito, con la incorporación de
Sean Connery como el padre de Indiana Jones. Para los fanáticos de la saga (y
obviando la cuarta parte), esta es considerada como la más normal, sin el
empuje que tuvieron las dos anteriores.19
En 1991, decidió abordar un tema de su infancia. Es reconocido su fanatismo por
los clásicos de Disney que vio en su niñez, pero preferentemente por la
historia de Peter Pan.20 Y aunque su versión de la historia original que quería
filmar con actores de carne y hueso no pudo hacerse (pero se puede encontrar un
guiño a la historia en E.T., cuando Mary le lee el cuento a Gertie, y E.T. las
observa), si consiguió estrenar su propia versión, que sería una continuación a
la historia conocida por todos. Michael Jackson iba a ser Peter Pan,
originalmente, pero por diversos inconvenientes el papel recayó en el
comediante Robin Williams. Hook fue un éxito, aunque no gozó de la popularidad
que tuvieron otras películas del director.
Para 1993, Spielberg seguiría con su tendencia a estrenar, algunos años, dos
películas al mismo tiempo (tendencia que inició en 1989 y repetiría en 1997,
2002, 2005 y 2011). La primera de ellas fue la exitosa Jurassic Park, que
revolucionó los efectos especiales en los años '90 (como algunas otras
contemporáneas). Una maestría de la narrativa visual, la película le devolvió
la fama y la popularidad a esas olvidadas criaturas de miles de años: los
dinosaurios. Pero en su filmografía, esta película sería opacada por
Schindler's List (también de 1993), por la que recibiría el tan postergado
reconocimiento por parte de la
Academia y de los Premios Óscar. Gracias a este film fue
reconocido como Mejor Director y ganó Mejor Película (habiendo sido nominado 3
veces anteriormente al primer premio).
Otro doblete de películas llegaría en 1997, con Amistad y The Lost World:
Jurassic Park, secuela de la entrega de 1993, y que sería la última de la franquicia
con Spielberg como director (aunque no dejó sus funciones de productor). Al año
siguiente eligió regresar a las historias de la Segunda Guerra
Mundial (tema recurrente como director y productor, tanto en películas como
series y videojuegos), estrenando Saving Private Ryan (1998), que le valió su
segundo Oscar.
A.I. Artificial Intelligence (2001) fue otra de sus películas cuestionadas por
los tres grandes entes del cine: la taquilla, la crítica y la audiencia,
danzando en una cuerda floja entre obra maestra y una historia aburrida de
ciencia ficción. Sin embargo, el director salió impune al estrenar al año
siguiente Catch Me If You Can (2002), con Leonardo DiCaprio y Tom Hanks. En ese
mismo año también estrenó Minority Report, que fue duramente criticada. Para el
año 2004, Spielberg volvió a entregarle el protagónico a Tom Hanks, esta vez en
la aclamada The Terminal, una película con tintes de humor, momentos de drama
y, a su vez, también romántica. El director tuvo la oportunidad de demostrar
que podía ser exitoso aún fuera de sus marcos habituales (ciencia ficción,
aventura o películas bélicas).
Llegando con otro año de dos películas, Spielberg fue vapuleado por la crítica,
por un lado, y por los fans, por otro. Primero con Munich (2005), que retrató
el atentado terrorista libanés en Munich en los Juegos Olímpicos de 1972. Como
ya se dijo, él es judío, pero aún directamente implicado en uno de los dos
bandos beligerantes estuvo muy cerca de una visión salomónica. La película no
gustó a ninguna de las dos partes, los judíos le pusieron en su lista negra; y
a los propalestinos esa equidad es precisamente lo que les molestó. Para ellos
hay un opresor y un oprimido, y por tanto no es justo tratar al invasor y al
invadido por igual. Spielberg se defendió de esas críticas diciendo: "Si
fuera necesario, estaría dispuesto a morir, tanto por Estados Unidos como por
Israel".
A su vez, ese mismo año, estrenó War of the Worlds (2005), que para muchos fue
una increíble película que retrata la versión de Orson Welles, pero fue para
los defensores de éste último y los fanáticos de la versión original, que la de
Spielberg no se encontró a la misma altura. Lucas convenció a Spielberg de
volver con la retrasada cuarta entrega de Indiana Jones. Bastante cuestionada
antes de su estreno, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008),
no recibió tan malas críticas. Roger Ebert calificó a la película con 3.5
estrellas de un total de 4, argumentando "Puedo decir que si te gustaron
las otras películas de Indiana Jones, seguramente ésta te gustará también. Si
no te gustaron, entonces no nos estamos entendiendo."22 James
Berardinelli, proporcionó a la película 2 estrellas de 4, mencionando "la
maldición más prudente ha dejado a los aficionados con sus memorias únicamente".
En el año 2011 estrenó dos películas, primero con The Adventures of Tintin: The
Secret of the Unicorn celebrada por su gran animación por captura de movimiento
(o "captura de actuación" ), pero ignorada en gran medida en la
ceremonia de los Oscar (solo consiguió una nominación a Mejor Banda Sonora),
pero ganando el Globo de Oro a la Mejor Película Animada.
Spielberg ha sido un ávido seguidor de Las aventuras de Tintín, que descubrió
en 1981 cuando un artículo comparó Raiders of the Lost Ark con Tintín. Su
secretario le compró las ediciones en francés de cada libro. La barrera
lingüística no impidió que Spielberg lo entendiera y de inmediato se enamoró de
su arte. Mientras tanto, el creador del cómic, Hergé, que odiaba a las
anteriores versiones cinematográficas de acción en vivo y los dibujos animados,
se convirtió en un fan de Spielberg. Michael Farr, autor de Tintín: Complet
Companion, recordó que Hergé "pensaba que Spielberg era la única persona
que podría hacer justicia a Tintín". Spielberg y su socia productora
Kathleen Kennedy de Amblin Entertainment tenían previsto reunirse con Hergé en
1983, pero el autor murió esa semana, decidiendo su viuda darles los derechos.
Pero no fue hasta su encuentro con Peter Jackson que por fin el proyecto
comenzó a prepararse. Jackson, quien había estado durante mucho tiempo
fascinado con el cine en 3-D, quedó impresionado por los avances recientes en
el formato. Spielberg y Jackson se pusieron de acuerdo en que una adaptación de
acción en vivo no haría justicia a los libros de historietas y que la animación
sería la mejor manera de representar el mundo de Tintín.
También en 2011, Spielberg volvió a llevar a la pantalla otra película bélica,
pero diferente de las que hizo anteriormente. Esta vez la situó en la Primera Guerra
Mundial, y decidió utilizar ese hecho histórico como fondo para una historia
emotiva y también romántica, con ese tinte esperanzador que tuvo Schindler's
List. La película en cuestión, War Horse si llegó a los Premios Óscar, pero no
consiguió ninguno.
FILMOGRAFÍA
(Como Director)
Indiana Jones 5 (announced)
2013 Robopocalypse (pre-production)
2012 Lincoln (post-production)
2011 Caballo de guerra
2011 Las aventuras de Tintín - El secreto del Unicornio
2008 A Timeless Call (documentary short)
2008 Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal
2005 Munich
2005 Guerra de los mundos
2004 La terminal
2002 Atrápame si puedes
2002 Minority report: Sentencia previa
2001 A.I. Inteligencia Artificial
1999 The Unfinished Journey (documentary short)
1998 Rescatando al soldado Ryan
1997 Amistad
1997 El mundo perdido: Jurassic Park
1996 Steven Spielberg's Director's Chair (Video Game)
1993 La lista de Schindler
1993 Jurassic Park
1991 Hook
1990 The Visionary (video) (segment "Par for the Course" )
1989 Always
1989 Indiana Jones y la última cruzada
1987 El imperio del sol
1985 El color púrpura
1985 Cuentos asombrosos (TV series)
– The Mission (1985)
– Ghost Train (1985)
1984 Strokes of Genius (TV mini-series) (introductory segments - uncredited)
1984 Indiana Jones y el templo de la perdición
1983 Al filo de la realidad (segment 2)
1982 E.T., el extraterrestre
1981 Los cazadores del arca perdida
1979 1941
1977 Encuentros cercanos del tercer tipo
1975 Tiburón
1974 The Sugarland Express
1973 Savage (TV movie)
1972 Something Evil (TV movie)
1971 Duel (TV movie)
1971 Owen Marshall: Counselor at Law (TV series)
– Eulogy for a Wide Receiver (1971)
1971 Columbo (TV series)
– Murder by the Book (1971)
1971 The Psychiatrist (TV series)
– Par for the Course (1971)
– The Private World of Martin Dalton (1971)
1971 The Name of the Game (TV series)
– LA 2017 (1971)
1969-1971 Night Gallery (TV series)
– Make Me Laugh/Clean Kills and Other Trophies (1971) (segment "Make Me
Laugh" )
– Night Gallery (1969) (segment "Eyes" )
1970 Marcus Welby, M.D. (TV series)
– The Daredevil Gesture (1970)
1968 Amblin' (short)
1967 Slipstream (short) (unfinished)
1964 Firelight
1961 Escape to Nowhere (short)
1961 Fighter Squad (short)
1959 The Last Gun (short)
Ha sido nominado seis veces a los Premios Óscar en la categoría de mejor director, obteniendo el premio en dos ocasiones, con La lista de Schindler (1993) y Saving Private Ryan (1998) y tres de sus películas (Jaws de 1975, E.T.: the Extra-Terrestrial de 1982 y Jurassic Park de 1993) lograron récord de taquillas, convirtiéndose en las películas de mayor recaudación en su momento. Ha sido también condecorado con
Tras ser contratado por la división televisiva de la productora Universal, (que según la leyenda, ocurrió tras ser sorprendido una noche mientras rondaba por los decorados de los estudios14 ), empezó a dirigir episodios de series como Marcus Welby, M.D. (1969-1976) y Columbo (1971-2003), pero el inesperado éxito de la versión para el cine de su telefilme Duel (El diablo sobre ruedas, 1972) le abrió las puertas de la gran pantalla.
Eso lo llevó a estrenar en 1974 su primer largometraje para la pantalla grande, The Sugarland Express (Loca evasión). Si bien no fue dado a conocer en mayor grado internacional hasta la posterior exitosa carrera del director, la película tuvo su éxito de crítica (tiene un 92% en Rotten Tomatoes) y de taquilla.
Spielberg rechazó dirigir Jaws 2, King Kong y Superman, para desarrollar aquella historia que había escrito en su adolescencia, y que tantas vueltas había dado en su mente esos años. Así, en 1977 estrenó Close Encounters of the Third Kind, que fue un gran éxito y lo consolidó como el nuevo «rey Midas» del cine de Hollywood.15 Más adelante llegaría la poco conocida 1941 (1979), un intento de incursionar en la comedia que fue un fracaso. Según palabras de Lucas, "el problema no estuvo en la dirección, que fue excelente, sino en la historia".16
Como amantes de las viejas películas de aventura de los años '20 y '30 de Hollywood, Lucas le propuso a Spielberg escribir una historia con un aventurero arqueólogo como protagonista. El director aceptó el reto, y entre todos los actores eligió a Harrison Ford, quien le había encantado en su rol de Han Solo en The Empire Strikes Back. Por esa misma razón Lucas se negó, en un principio, pero finalmente el actor consiguió el papel, que lo impulsó hasta la cúspide de su carrera al interpretar al Dr. Indiana Jones. Raiders of the Lost Ark (1981) estuvo cargada de problemas, pero se convirtió en uno de los mayores éxitos de la década, revitalizando el olvidado género de aventuras.
Mientras rodaba esa película, Spielberg decidió retomar el tema que más le fascinaba, el espacio y sus habitantes. Y es por eso que tras terminar con la aventura del Dr. Jones, se abocó inmediatamente a su, para muchos, obra maestra. En 1982, E.T. the Extra-Terrestrial se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos, superando a Star Wars (1977), y cuyo reinado mantuvo hasta que en 1997 la desplazó Titanic. Mostrando a uno de los extraterrestres más querido por el público de todo el mundo, Spielberg se alzó definitivamente como uno de los más grandes cineastas de su época, e incluso de la historia del cine.17 El director de Gandhi (1982), Richard Attenborough, declaró: «Yo estaba seguro de que no únicamente E.T. podría ganar, sino de que ganaría. Fue inventiva, poderosa, y maravillosa. Yo hago películas más mundanas».18
Tras esta película llegaría la secuela de Indiana Jones, Indiana Jones and the Temple of Doom (1984), que sería un poco más agridulce que la primera parte. A partir de ese momento alternó su faceta de productor con la de director, con mayor éxito en la primera (Gremlins de 1984 y Back to the Future de 1985) que en la segunda. Si bien sus siguientes películas no fueron fracasos, The Color Purple (1985), Empire of the Sun (1987) y Always (1989) se alejaron bastante de lo que fueron sus proyectos anteriores.
Tras tres películas que dejaron mucho que desear para la crítica y la taquilla (aunque no fueron consideradas "malas" ), Spielberg volvería para fin de año con la tercera parte del aventurero que hizo famoso a Harrison Ford. Indiana Jones and the Last Crusade (1989) fue un éxito, con la incorporación de Sean Connery como el padre de Indiana Jones. Para los fanáticos de la saga (y obviando la cuarta parte), esta es considerada como la más normal, sin el empuje que tuvieron las dos anteriores.19
En 1991, decidió abordar un tema de su infancia. Es reconocido su fanatismo por los clásicos de Disney que vio en su niñez, pero preferentemente por la historia de Peter Pan.20 Y aunque su versión de la historia original que quería filmar con actores de carne y hueso no pudo hacerse (pero se puede encontrar un guiño a la historia en E.T., cuando Mary le lee el cuento a Gertie, y E.T. las observa), si consiguió estrenar su propia versión, que sería una continuación a la historia conocida por todos. Michael Jackson iba a ser Peter Pan, originalmente, pero por diversos inconvenientes el papel recayó en el comediante Robin Williams. Hook fue un éxito, aunque no gozó de la popularidad que tuvieron otras películas del director.
Para 1993, Spielberg seguiría con su tendencia a estrenar, algunos años, dos películas al mismo tiempo (tendencia que inició en 1989 y repetiría en 1997, 2002, 2005 y 2011). La primera de ellas fue la exitosa Jurassic Park, que revolucionó los efectos especiales en los años '90 (como algunas otras contemporáneas). Una maestría de la narrativa visual, la película le devolvió la fama y la popularidad a esas olvidadas criaturas de miles de años: los dinosaurios. Pero en su filmografía, esta película sería opacada por Schindler's List (también de 1993), por la que recibiría el tan postergado reconocimiento por parte de
Otro doblete de películas llegaría en 1997, con Amistad y The Lost World: Jurassic Park, secuela de la entrega de 1993, y que sería la última de la franquicia con Spielberg como director (aunque no dejó sus funciones de productor). Al año siguiente eligió regresar a las historias de
A.I. Artificial Intelligence (2001) fue otra de sus películas cuestionadas por los tres grandes entes del cine: la taquilla, la crítica y la audiencia, danzando en una cuerda floja entre obra maestra y una historia aburrida de ciencia ficción. Sin embargo, el director salió impune al estrenar al año siguiente Catch Me If You Can (2002), con Leonardo DiCaprio y Tom Hanks. En ese mismo año también estrenó Minority Report, que fue duramente criticada. Para el año 2004, Spielberg volvió a entregarle el protagónico a Tom Hanks, esta vez en la aclamada The Terminal, una película con tintes de humor, momentos de drama y, a su vez, también romántica. El director tuvo la oportunidad de demostrar que podía ser exitoso aún fuera de sus marcos habituales (ciencia ficción, aventura o películas bélicas).
Llegando con otro año de dos películas, Spielberg fue vapuleado por la crítica, por un lado, y por los fans, por otro. Primero con Munich (2005), que retrató el atentado terrorista libanés en Munich en los Juegos Olímpicos de 1972. Como ya se dijo, él es judío, pero aún directamente implicado en uno de los dos bandos beligerantes estuvo muy cerca de una visión salomónica. La película no gustó a ninguna de las dos partes, los judíos le pusieron en su lista negra; y a los propalestinos esa equidad es precisamente lo que les molestó. Para ellos hay un opresor y un oprimido, y por tanto no es justo tratar al invasor y al invadido por igual. Spielberg se defendió de esas críticas diciendo: "Si fuera necesario, estaría dispuesto a morir, tanto por Estados Unidos como por Israel".
A su vez, ese mismo año, estrenó War of the Worlds (2005), que para muchos fue una increíble película que retrata la versión de Orson Welles, pero fue para los defensores de éste último y los fanáticos de la versión original, que la de Spielberg no se encontró a la misma altura. Lucas convenció a Spielberg de volver con la retrasada cuarta entrega de Indiana Jones. Bastante cuestionada antes de su estreno, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008), no recibió tan malas críticas. Roger Ebert calificó a la película con 3.5 estrellas de un total de 4, argumentando "Puedo decir que si te gustaron las otras películas de Indiana Jones, seguramente ésta te gustará también. Si no te gustaron, entonces no nos estamos entendiendo."22 James Berardinelli, proporcionó a la película 2 estrellas de 4, mencionando "la maldición más prudente ha dejado a los aficionados con sus memorias únicamente".
En el año 2011 estrenó dos películas, primero con The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn celebrada por su gran animación por captura de movimiento (o "captura de actuación" ), pero ignorada en gran medida en la ceremonia de los Oscar (solo consiguió una nominación a Mejor Banda Sonora), pero ganando el Globo de Oro a
Spielberg ha sido un ávido seguidor de Las aventuras de Tintín, que descubrió en 1981 cuando un artículo comparó Raiders of the Lost Ark con Tintín. Su secretario le compró las ediciones en francés de cada libro. La barrera lingüística no impidió que Spielberg lo entendiera y de inmediato se enamoró de su arte. Mientras tanto, el creador del cómic, Hergé, que odiaba a las anteriores versiones cinematográficas de acción en vivo y los dibujos animados, se convirtió en un fan de Spielberg. Michael Farr, autor de Tintín: Complet Companion, recordó que Hergé "pensaba que Spielberg era la única persona que podría hacer justicia a Tintín". Spielberg y su socia productora Kathleen Kennedy de Amblin Entertainment tenían previsto reunirse con Hergé en 1983, pero el autor murió esa semana, decidiendo su viuda darles los derechos. Pero no fue hasta su encuentro con Peter Jackson que por fin el proyecto comenzó a prepararse. Jackson, quien había estado durante mucho tiempo fascinado con el cine en 3-D, quedó impresionado por los avances recientes en el formato. Spielberg y Jackson se pusieron de acuerdo en que una adaptación de acción en vivo no haría justicia a los libros de historietas y que la animación sería la mejor manera de representar el mundo de Tintín.
También en 2011, Spielberg volvió a llevar a la pantalla otra película bélica, pero diferente de las que hizo anteriormente. Esta vez la situó en
FILMOGRAFÍA
(Como Director)
Indiana Jones 5 (announced)
2013 Robopocalypse (pre-production)
2012 Lincoln (post-production)
2011 Caballo de guerra
2011 Las aventuras de Tintín - El secreto del Unicornio
2008 A Timeless Call (documentary short)
2008 Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal
2005 Munich
2005 Guerra de los mundos
2004 La terminal
2002 Atrápame si puedes
2002 Minority report: Sentencia previa
2001 A.I. Inteligencia Artificial
1999 The Unfinished Journey (documentary short)
1998 Rescatando al soldado Ryan
1997 Amistad
1997 El mundo perdido: Jurassic Park
1996 Steven Spielberg's Director's Chair (Video Game)
1993 La lista de Schindler
1993 Jurassic Park
1991 Hook
1990 The Visionary (video) (segment "Par for the Course" )
1989 Always
1989 Indiana Jones y la última cruzada
1987 El imperio del sol
1985 El color púrpura
1985 Cuentos asombrosos (TV series)
– The Mission (1985)
– Ghost Train (1985)
1984 Strokes of Genius (TV mini-series) (introductory segments - uncredited)
1984 Indiana Jones y el templo de la perdición
1983 Al filo de la realidad (segment 2)
1982 E.T., el extraterrestre
1981 Los cazadores del arca perdida
1979 1941
1977 Encuentros cercanos del tercer tipo
1975 Tiburón
1974 The Sugarland Express
1973 Savage (TV movie)
1972 Something Evil (TV movie)
1971 Duel (TV movie)
1971 Owen Marshall: Counselor at Law (TV series)
– Eulogy for a Wide Receiver (1971)
1971 Columbo (TV series)
– Murder by the Book (1971)
1971 The Psychiatrist (TV series)
– Par for the Course (1971)
– The Private World of Martin Dalton (1971)
1971 The Name of the Game (TV series)
– LA 2017 (1971)
1969-1971 Night Gallery (TV series)
– Make Me Laugh/Clean Kills and Other Trophies (1971) (segment "Make Me Laugh" )
– Night Gallery (1969) (segment "Eyes" )
1970 Marcus Welby, M.D. (TV series)
– The Daredevil Gesture (1970)
1968 Amblin' (short)
1967 Slipstream (short) (unfinished)
1964 Firelight
1961 Escape to Nowhere (short)
1961 Fighter Squad (short)
1959 The Last Gun (short)
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