Remake de La Lista de Schindler

Propuesta de cine experimental

Escaleta:

Imagen	Sonido	Tiempo
Bicicleta girando	Inician Latidos. gemidos	5 seg.
Torso de mujer desnuda girando	rebuznos	5 seg.
Bicicleta girando	gemidos	5 seg.
Torso de mujer desnuda girando	rebuznos	5 seg.
Bicicleta girando	Grito de placer	5 seg.
Torso de mujer desnuda girando	Explosión de fuegos artificiales	5 seg.
El interior de una casa a oscuras		5 seg.
Un hombre caminando, adelante aparece una bruja que lo señala.	Bruja:vas a pagar, vas a pagar	10 seg.
Una mujer se pinta los labios, se pasa la lengua por los labios, luego un dedo y luego se despinta la boca con los dedos manchándose.		10 seg.
Gotas caen en una pileta, hasta que poco a poco se oscurece el agua y empieza a desbordarse.		10 seg.
Una naranja rueda por la mesa y cae sobre un clavo	Grito	10 seg.
Globo explotando		2 seg.
Hormigas caminando	Ruidos de ciudad	8 seg.
Un Gato colorado	Rugido de león	2seg
Un hombre camina por una casona inmensa y una mujer lo llama. El la sigue pero ella desaparece. El se da vuelta y ella viene por el lado contrario, vuelve a girar y ella se esta alejando.		30 seg.
Gato gris		2 seg.
Una pelota rebota sin cesar, y en su última caída se transforma en una gota.	Golpes en la puerta	5 seg.
Una niña reta a su padre, le hace poner las manos, le pega con una regla  después la manda al rincón	Grito de niñito	30 seg.
Gato negro		2 seg.
Un hombre golpea la cabeza contra un árbol, el árbol vibra y caen zapatos		10 seg.
Caída en pozo	Terminan los latidos	10 seg.

Tratamiento

El trabajo audiovisual experimental estará basado en una serie de sueños que no tienen conexión entre si, imágenes oníricas aisladas en un plano  y secuencias sin correlatividad narrativa. Esto junto a los temas recurrentes de los sueños (sexo, deseo, miedo, amor, pérdida y represión); el montaje arbitrario de planos, el uso de fundidos y de superposición de imágenes, el uso de movimientos acelerados y ralentis; ángulos y planos extremos, colocan al proyecto en las cercanías  de la vanguardia surrealista.

En iluminación se buscara la utilización de la luz rasante y los contraluces, así como la iluminación en clave baja.

La banda sonora estará compuesta por  diferentes ruidos empáticos y anempáticos, y recorriendo toda la obra el latido de un corazón, que marcara el ritmo del montaje.

 Referencias visuales

Fauvismo

El Fauvismo fue un movimiento pictórico nacido en París y de escasa duración (de 1905 a 1908). Los fauvistas formaban un grupo heterogéneo integrado por Matisse, el líder del movimiento, junto a Derain, Vlaminck, Marquet y Dufy entre otros. El crítico Louis Vauxcelles les dio la despectiva denominación de fauves (fieras) cuando expusieron juntos en el Salón de Otoño de 1905.

Vauxcelles  afirmó sobre ese conjunto de obras Mais c'est Donatello parmi les fauves (Pero, es Donatello entre las fieras), por lo que de la palabra fauve se derivó en fauvisme (fauvismo o fovismo). La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista. Los autores de las obras no dieron importancia a lo peyorativo del nombre «fauvisme», sino que, en cambio, lo adoptaron como distintivo de sus obras.

Maurice Vlaminck, Restaurante de la
Machine a Bougival.

Características generales

 

Los pintores fauvistas tenían como objetivo «simplemente transponer sus sentimientos en forma de color», en palabras de Matisse. Aunque mantenían su individualismo, usaban un lenguaje común. Sus alegres cuadros se caracterizaban por un colorido brillante, violento y arbitrario para expresar sentimientos y producir sensaciones placenteras, por influencia de Van Gogh y Gauguin. Los colores fuertes y puros, sin matices, aplicados en toques gruesos, les servían para construir el espacio, sin apenas perspectiva. Las composiciones eran decorativas y las figuras resultaban planas, contorneadas por líneas gruesas. Sus temas preferidos eran bodegones, interiores, paisajes y retratos que pintaban de forma amable y bella ya que pretendían dar alegría y placer al espectador con sus lienzos plenos de color.

Representantes

Henri Matisse (1869- 1954) es la figura más representativa del Fauvismo. Se educó en el estudio del simbolista Moreau y realizó muchas copias de los grandes maestros. Tras una primera etapa divisionista, inauguró el fauvismo. En su obra se advierte la influencia de Van Gogh, Gauguin, las estampas japonesas y el exotismo oriental.

La pintura de Matisse era muy alegre y hedonista, caracterizada por extensas y arbitrarias masas de color brillante y sensual (rojos, verdes, azules, rosas) y una decoración de líneas curvas y ondulantes entrelazada con vegetación (arabesco). Pintó bodegones, retratos, interiores y odaliscas. Entre sus obras destacan Lujo, calma y voluptuosidad, de su fase puntillista, Mujer con la raya verde, La alegría de vivir, La habitación roja y La danza. Ya anciano, cuando no podía pintar a causa de la artritis, hizo unos recortes de papel coloreado con gouache de formas simples (El caracol). Matisse fue también escultor de pequeños bronces en movimiento (La Espalda I-IV). Ejerció enorme influencia en pintores posteriores.

Otros conocidos pintores del Fauvismo son:

André Derain (1880-1954) pintó emotivos paisajes de colores puros, aplicados a veces directamente del tubo, como El Puente de Westminster. Posteriormente se vio influido por el Cubismo que abandonó por el Clasicismo. Compartió un estudio con Maurice de Vlaminck (1876-1958), de temperamento nervioso y anarquista, autor de paisajes expresivos y dramáticos, con colores brillantes y fuertes como Árboles rojos. En cambio Albert Marquet (1875-1947) prefería una paleta más suave y composiciones más equilibradas; era un excelente dibujante (El puerto de Marsella). Por último Raoul Dufy (1877-1953) ha dejado alegres composiciones marinas en un estilo muy personal con dibujos en arabesco y brillantes colores, que aplicaba a manchas (Regata en Cowes).

Por Isaac dilasbolas (1889, Stockholm – 1946, Oslo) (Trabajo propio) [GFDL (http://www.gnu.org/copyleft/fdl.html) undefined CC-BY-SA-3.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0/)], undefined

EUGÈNE DESLAW

EUGÈNE DESLAW

Poco se sabe de la vida de Eugène Deslaw: nacido en Tahantcha (Ukraine), emigró a Checoslovaquia en los años 20’, donde conoció al cineasta Zet Molas y se adhirió al movimiento vanguardista checo. Realizó una obra vanguardista breve y fulgurante en la que se aprecia su tendencia moderna:

• Poesía del maquinismo (La marche des machines, 1929, realizada en colaboración con Boris Kaufmann)

• Fascinación por las ciudades y la vida artificial (Les nuits electriques, 1929)
• Exploración de las posibilidades plásticas del medio (Negatif, 1930)

Pero su obra es igualmente remarcable por su tendencia mórbida hacia el lado oscuro de la vida moderna, la deformidad y la descomposición (Montparnasse. Poème du caféŽ crème, Vers les robots).

Después de realizar un documental de factura experimental sobre el rodaje de “La fin du monde” de Abel Gance, Eugène Deslaw fue barrido de la historia por la llegada del cine sonoro. Murió en el anonimato, en 1966.

“Miro mis films como films de ensayos. La Marche des Machines no es mas que un medio de “acción directa” óptica, de acción sobre los nervios de los espectadores, sin ninguna especie de lógica literaria En La Marche del machines, no hay ningún comienzo literario, ni de fin, las escenas no duran sino el tiempo preciso para que el espectador las tome como una realidad. El ritmo de las imágenes reduce a la nada su faceta documental “instructiva”. No hay nada que comprender. Solamente existe algo que sentir”.

Así habla de sus obras el cineasta Eugene Deslaw (Ievhen Slavchencko) (Ucrania, 1899 – Niza, 1966), que estudió en París en la década de 1920 y en la Escuela Técnica de Fotografía de Cine en 1927, el mismo año en que trabajó como asistente de Abel Gance en su film “Napoleón”. Entre lo experimental y lo abstracto, Eugene Deslaw colaboró también con Alfred Zinnemann, Luis Buñuel y Marcel Carné. A Eugene Deslaw hay que situarlo dentro de la segunda ola de vanguardia francesa, junto a Fernand Léger, René Claire, Chaumet, Man Ray y Dulak Germain.

Elegí este corto de manera casual, y mas que nada por sorpresa. Me encanta Fischinger y su trabajo sobre sinfonías rítmicas,.Como esas formas y colores viven al pulso del ritmo musical, pero al ver a Deslaw, quede impactado, ya que acá, no había apoyatura en la música y solo con el ritmo de la imagen, además de la luz y sus reflejos; logra que esos  objetos cotidianos, tornen hacia lo abstracto.

La Caída del Muro

El muro de Berlín (en alemán Berliner Mauer), «Muro de Protección Antifascista» (Antifaschistischer Schutzwall) por la socialista República Democrática Alemana – RDA (Deutsche Demokratische Republik – DDR) también fue apodado «Muro de la vergüenza» (Schandmauer) por parte de la opinión pública occidental, fue parte de las fronteras ínter alemanas desde el 13 de agosto de 1961 hasta el 9 de noviembre de 1989y separo a la República Federal Alemana de la República Democrática Alemana hasta ese año.

El muro de Berlín, su construcción y, especialmente su caída, han marcado  parte de los momentos más importantes de la historia del siglo XX. Este muro dividió Berlín en dos partes durante 28 años, separando a familias y amigos, y también al mundo.

 Restos del Muro de Berlín

Antecedentes

Al finalizar la II Guerra Mundial, tras la división de Alemania luego de su derrota a manos de los aliados, Berlín también quedó dividida en cuatro sectores de ocupación: soviético, estadounidense, francés e inglés. Las malas relaciones entre los comunistas y los aliados fueron creciendo hasta llegar al punto en que surgieron dos monedas, dos ideales políticos y, finalmente, dos Alemania.

En 1949, los tres sectores occidentales (estadounidense, francés y británico) pasaron a llamarse República Federal Alemana (RFA) y el sector oriental (soviético) se convirtió en la República Democrática Alemana (RDA).

Berlín quedó dividido y se crearon 81 puntos de paso entre las dos zonas de la ciudad.

Una señora saluda desde el sector Oeste a sus conocidos del sector Este tras tres horas de espera (1961)

La construcción del muro

La maltrecha economía soviética y la floreciente Berlín occidental hicieron que hasta el año 1961 casi 3 millones de personas dejaran atrás la Alemania Oriental para adentrarse en el capitalismo.

La RDA comenzó a darse cuenta de la pérdida de población que sufría (especialmente de altos perfiles) y, la noche del 12 de agosto de 1961, decidió levantar un muro provisional y cerrar 69 puntos de control, dejando abiertos sólo 12.

A la mañana siguiente, se había colocado una alambrada provisional de 155 kilómetros que separaba las dos partes de Berlín. Los  medios de transporte se vieron interrumpidos y ninguno podía cruzar de una parte a otra.

Durante los días siguientes, comenzó la construcción de un muro de ladrillo y las personas cuyas casas estaban en la línea de construcción fueron desalojadas.

Con el paso de los años, hubo muchos intentos de escape, algunos con éxito, de forma que el muro fue ampliándose hasta límites insospechados para aumentar su seguridad.

El Muro de Berlín acabó por convertirse en una pared de hormigón de entre 3,5 y 4 metros de altura, con un interior formado por cables de acero para aumentar su resistencia. En la parte superior colocaron una superficie semiesférica para que nadie pudiera agarrarse a ella.

Acompañando al muro, se creó la llamada "franja de la muerte", formada por un foso, una alambrada, una carretera por la que circulaban constantemente vehículos militares, sistemas de alarma, armas automáticas, torres de vigilancia y patrullas acompañadas por perros las 24 horas del día. Tratar de escapar era similar a jugar a la ruleta rusa con el depósito cargado de balas. Aun así, fueron muchos los que lo intentaron.

En 1975, 43 kilómetros del muro estaban acompañados de las medidas de seguridad de la franja de la muerte, y el resto estaba protegido por vallas.

Cruzando al muro

Entre 1961 y 1989 más de 5.000 personas trataron de cruzar el muro y más de 3.000 fueron detenidas. Alrededor de 100 personas murieron en el intento, la última de ellas el 5 de febrero de 1989.

En el MUSEO DEL MURO DE CHECKPOINT CHARLIE se narran las historias más curiosas de cómo la gente consiguió cruzar el muro.

El Muro de Berlín en Bethaniendamm (1986).

La caída del muro de Berlín

Muro de Berlín (16 de noviembre de1989).

La caída del muro vino motivada por la apertura de fronteras entre Austria y Hungría en mayo de 1989, ya que cada vez más alemanes viajaban a Hungría para pedir asilo en las distintas embajadas de la República Federal Alemana. Este hecho, motivó enormes manifestaciones en  Alexanderplatz que llevaron a que, el 9 de noviembre de 1989 el gobierno de la RDA afirmara que el paso hacia el oeste estaba permitido.

Ese mismo día, miles de personas se agolparon en los puntos de control para poder cruzar al otro lado y nadie pudo detenerlos, de forma que se produjo un éxodo masivo.

Al día siguiente, se abrieron las primeras brechas en el muro y comenzó la cuenta atrás para el final de sus días.

Una vez liberados, familias y amigos pudieron volver a verse después de 28 años de separación forzosa.

La desaparición del muro de Berlín, el mayor icono de la guerra fría, y del poderío comunista,  exhibió las grietas del régimen soviético, y que solo sobreviviría al muro 2 años más.

Cruces fúnebres simbólicas en honor de los muertos en el muro, fotografía de enero de 1990.

Célebre mural, icono de la caída del muro.

El historiador británico Eric Hosbawn , en su libro de 1994 The age of extremes: The short Twentieth century 1914-1991, dice que el siglo XX fue «corto» (frente al «largo» XIX ), habiendo estado enmarcado entre el estallido de la Primera Guerra Mundial  y la desintegración de la Unión Soviética , hecho éste último que ya había sido previamente anticipado de alguna manera por la caída del muro 

de Berlín de noviembre de 1989. 

Arte conceptual o Idea Art

Es el movimiento que aparece a finales de los años sesenta y setenta con manifestaciones muy diversas y fronteras no del todo definidas. La idea principal que subyace en todas ellas es que la "verdadera" obra de arte no es el objeto fí­sico producido por el artista sino que consiste en "conceptos" e "ideas". Con un fuerte componente heredado de los "ready made" de Marcel Duchamp

Marcel Duchamp

En el arte conceptual la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra y el mismo proceso - notas, bocetos, maquetas, diálogos - al tener a menudo más importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador no solo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación. En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o polí­tico, el cuerpo o la naturaleza dentro de este arte encontramos lí­neas de trabajo muy diferentes: body art, land art, process art, performance art, arte povera...Y entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, Weiner, el grupo inglés Art and Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.

Posición de ajedrez conocida como trébucher (tropiezo), en la que Duchamp pudo inspirarse para crear su ready-madeTrébuchet (perchero).

Los artistas conceptuales han estado especialmente interesados en explorar una nueva zona de la especulación estética que parecí­a representar una dramática ruptura respecto a las habituales actividades de la producción contemplación y apreciación artí­sticas. Abogaban por un decidido rechazo de los aspectos mercantiles del consumo de arte y al mismo tiempo, muchos de ellos intentaban imbricar su actividad artí­stica en un contexto más amplio de preocupaciones sociales, ecológicas e intelectuales, por oposición a la producción de objetos diseñados según criterios utilitaristas y funcionales al establishment cultural.

El arte conceptual es, pues, un arte crí­tico y corrosivo, pone énfasis en lo mental, en la ideación de las obras, relegando en importancia su realización material o sensible. Junto a este reduccionismo de lo manual, existe en las obras de arte conceptual una hipervaloración del trabajo de arte, como una actividad reflexiva, tanto mental como experiencial. Puede decirse que el arte conceptual no se ha preocupado tanto del cómo cuanto del qué del arte.

En la obra de arte hay un sentido que pude ser interrogado. La obra de arte no sólo se da a ver, sino se da ha entender, se ofrece como asunto del pensamiento y esto, en la medida, en que se sustrae al régimen de la visibilidad.

Es así­ como el arte conceptual enfatiza la eliminación del objeto artí­stico en sus modalidades tradicionales. De lo que se trata, por encima de un antiobjetualismo a ultranza e indiscriminado, es, como he señalado, de desplazar el énfasis sobre el objeto a favor de la concepción y del proyecto, de la conducta perceptiva, imaginativa o creativa del receptor. Incluso en los casos más extremos no puede darse una desmaterialización completa, pues las palabras escritas o en su oralidad son también "objetos" –y no primariamente culturales– sino perceptivos a los que se les atribuye una significación. Es así­ como en la dimensión perceptiva de los signos podemos constatar que las relaciones, fórmulas y problemas introducidos por los matemáticos y lógicos crean también una actitud estética. Toda imagen puede ser reducida a una fórmula, signos, relaciones, vectores, etc. Existe una iconografí­a de la lógica y de la fí­sica, trazos matéricos, un dibujo del pensamiento, genéticamente contenido en sus signos.

A pesar de su extremada diversidad –body art, performance art, narrative art– lo que une a estas diversas manifestaciones que he venido anunciando, y que se han dado en denominar "arte conceptual", es su énfasis casi unánime sobre el lenguaje o sobre sistemas lingüísticamente análogos y la convicción de que "el lenguaje y las ideas son la verdadera esencia del arte."Ideas dentro, en torno y acerca del arte, transmitidas a través de medios escritos, registros fotográficos, formatos audiovisuales y documentos en general, es lo que constituye al arte del concepto. Este es un arte que existe, sin importar la forma que adopte (o no adopte); su existencia más plena y más compleja tiene lugar en las mentes de los artistas y de su audiencia. Es un arte que exige del espectador un nuevo tipo de atención y de participación, otorgándole a la experiencia estética un rol constructivo y crí­tico.

Ejemplos de arte conceptual

§                    1917: Marcel Duchamp exhibe su Fuente, un mero mingitorio de porcelana común en el Salón de Artistas Independientes, como una manera de cuestionar la naturaleza del arte, dejando claro que cualquier cosa, con una buena idea como soporte, podía ser arte. Haciendo que lo que realmente importe es lo que nos quiere dar a entender, lo que nos quiere llevar a reflexionar y dejar de lado lo que representa. Diferencia entre lo que representa y lo que esta representado.

§                    1953: Robert Rauschenberg exhibe Dibujo de De Kooning Borrado, un dibujo de Willem De Kooning que Rauschenberg borró. Esta pieza levantó muchas preguntas acerca de la naturaleza fundamental del arte, provocando al espectador a considerar si borrar un dibujo de otro artista podía ser un acto creativo, así como si el trabajo sólo era "arte" porque el famoso Rauschenberg lo había hecho.

§                    1956: Isidore Isou introduce el concepto de arte infinitesimal en Introduction à une esthétique imaginaire (Introducción a una estética imaginaria).

§                    1957: Yves Klein, Escultura Aerostática (París). Esta estaba compuesta de 1,001 globos azules que fueron liberados hacia el cielo desde la Galería Iris Clert para promover su Proposición Monocromo; Época Azul. Klein también exhibió Pintura de Fuego de un Minuto, que era un panel azul en el cual 16 petardos fueron colocados. Para su importante exhibición El Vacío en 1958, Klein declaró que sus pinturas eran ahora invisibles y para probarlo exhibió una sala vacía.

§                    1958: Wolf Vostell Das Theater ist auf der Straße/El teatro está en la calle. El primer happening en Europa.

§                    1960: La acción de Yves Klein llamada Un Paso al Vacío en el que intenta volar dando un paso hacia afuera de una ventana. Klein dijo: "El artista debe de crear una única obra de arte, él mismo, constantemente."

§                    1960: El artista Stanley Brown declara que todas las tiendas de zapatos de Ámsterdam constituyen la exposición de sus obras. En Vancouve, Iain e Ingrid Baxter de la N.E. Thing Co. exhibieron los muebles de un departamento de cuatro cuartos envueltas en bolsas de plástico.

§                    1961 Wolf Vostell Cityrama, en Colonia era el primer Happening en Alemania.

§                    1961: Robert Rauschenberg envió un telegrama a la Galería Iris Clert que decía: 'Este es un autorretrato de Iris Clert si yo lo digo.' como su contribución a la exposición de retratos que se estaba convocando en la galería..

§                    1961: Piero Manzoni exhibe su Mierda de Artista, latas que supuestamente contienen sus heces fecales. Pone las latas en venta por su peso en oro. También vende su aliento (contenido en globos) como Cuerpos de Aire, y firma los cuerpos de la gente, declarándolos obras de arte vivientes por todo el tiempo o por periodos específicos. (Esto dependía de cuanto estaban preparados para pagar). Marcel Broodthaers y Primo Levi estaban entre las designadas 'obras de arte'.

§                    1962: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik en Wiesbaden con,George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y otros.

§                    1962: Christo y Jeanne-Claude exhiben Cortina de Hierro. Esta consiste en una barricada de barriles de petróleo en una calle estrecha de París que causó mucho desorden de tráfico. El trabajo no era la barricada en sí sino el tráfico provocado.

§                    1962: Yves Klein presenta la Zona de Sensibilidad Pictórica Inmaterial en varias ceremonias en los bancos del Río Sena. Ofrece vender su propia 'sensibilidad pictórica' (fuera esto lo que fuera, Klein no lo definió) a cambio de una hoja de oro. En estas ceremonias el comprador entregaba la hoja de oro a cambio de un certificado. Como la sensibilidad de Klein era inmaterial, se le pedía al comprador que quemara el certificado mientras que Klein arrojaba la mitad de la hoja de oro en el Sena. (Hubo siete compradores)

§                    1962: Piero Manzoni creó La Base del Mundo, exhibiendo, de esta manera, el planeta entero como una obra de arte.

§                    1963: Festum Fluxorum Fluxus en Düsseldorf con George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik,Ben Patterson, Emmett Williams y otros.

§                    1963: Henry Flynt escribe el artículo "Arte Conceptual" que es publicado en una "Antología de Operaciones de Oportunidad"; una colección de obras de arte y conceptos de varios artistas y músicos que fue publicada por Jackson Mac Low y La Monte Young. Esta antología documentó el desarrollo de la visión de Dick Higgins sobre el arte intermedia en el contexto de las ideas de Johm Cage y se volvió una temprana obra maestra del Fluxus. El "Arte conceptual" del que hablaba Flynt se desenvolvió desde su idea de nihilismo cognoscitivo y de sus análisis acerca de las vulnerabilidades de la lógica y las matemáticas.

§                    1964: Yoko Ono publica Uvas: Un libro de Instrucciones y Dibujos. Un ejemplo de arte heurístico, o una serie de instrucciones acerca de como obtener una experiencia estética.

§                    1965: Una compleja pieza de arte conceptual por John Latham llamada "Still and Chew" invita a los estudiantes de artes para protestar contra los valores del libro Arte y Cultura de Clement Greenberg (un libro muy mencionado y leído en el Central Saint Martins College of Art and Design, donde Latham daba clases). Páginas del libro de son masticadas por los estudiantes, disueltas en ácido y la solución resultante es regresada de la biblioteca embotellada y etiquetada. Latham fue despedido de la escuela.

§                    1965: Joseph Kosuth expone Una y Tres Sillas en el año de 1965. La presentación del trabajo consiste en una silla, su foto a tamaño real y una definición de la palabra "silla". Kosuth escogió la definición de un diccionario. Cuatro versiones de esta obra, con diferentes sillas y diferentes definiciones son las que se conocen.

Clave baja y Sharp (enfoque)

Low Key (Clave baja)

Los términos clave alta y clave baja son básicamente la forma elegante para referirse a fotografías con niveles extremadamente altos de blancos o negros.

La fotografía en clave alta la podemos definir como aquella en la que no existen negros sino grises suaves y blancos si la fotografía es en blanco y negro o que tiene tonos y colores muy suaves y “desvaídos” si la fotografía es en color.       

La fotografía en clave baja es todo lo contrario, no existen tonos claros o en todo caso son blancos o grises muy claros que no tienen gran presencia en la escena. Todo es negro o gris muy oscuro. En la fotografía en color supondría unos colores oscuros y muy saturados. Las imágenes de clave baja se llenan de sombras y negros, y se utilizan para agregar tensión y suspenso dramático a la atmósfera de la fotografía. Las imágenes de clave baja a veces también prestan atención a las líneas y formas, y siendo tan llena áreas oscuras y color negro, la luz puede reflejarse fácilmente en estas líneas y formas realzándolas entre la oscuridad.

Ejemplo de fotografía en color, trabajadas en clave baja

Ejemplo de fotografía en blanco y negro, trabajadas en clave baja

Sharp (enfoque)

Para enfocar una imagen borrosa con la máxima precisión, buscando la mayor nitidez posible con el mínimo granulado, Photoshop tiene una herramienta estupenda llamada MÁSCARA DE ENFOQUE, que está en el menú de filtros junto a las demás opciones de enfoque, (Filter-Sharp). Este filtro enfoca según los valores indicados en los parámetros Cantidad, Radio y Umbral.

Los filtros Enfocar, Enfocar más son en realidad máscaras de enfoque con unos valores predeterminados.   Los pasos ha realizar para mejorar el enfoque de una imagen son los siguientes:

-El primer paso como es lógico es cargar la imagen y hacerle los ajustes de color pertinentes.  Posteriormente  duplicamos la capa (Ctrl+J).

-Aplicamos Filtro/Enfocar/Enfocar- (Filter/Sharp/Sharpen)

-Aplicamos Filtro/Enfocar/Enfocar Más.

-Ajustamos la Opacidad de la capa duplicada buscando un resultado que nos satisfaga.

Es cierto que el enfoque de imagenes borrosas  usando Photoshp, es  un arma de doble filo, la imagen puede ganar nitidez pero las superficies homogéneas se pueden ensuciar con ese granulado tan desagradable, por eso debemos ser cuidadosos a la hora de elejir los valores.

Ejemplo de Sharp